Las artes en vivo: las artes escénicas y performativas Código:  M7.310    :  5
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La asignatura Las artes en vivo: gestión de las artes escénicas y performativas tiene como objetivo desarrollar un programa de estudios que abra diferentes líneas de fuga en relación a la gestión de prácticas artísticas corporales, a partir de la comprensión de los diferentes elementos implicados.

El hecho escénico es aquello que se realiza frente a un público en un lugar y en un momento determinado. Y lo que ahí ocurre es el resultado de un proceso creativo entendido como algo que está pasando y que depende de la relación entre actores / performers / bailarines y el público. De esta manera, podemos afirmar que la condición necesaria para que se dé una realización escénica es la copresencia física entre personas que actúan y personas que observan en un espacio determinado.

El trabajo que desarrollaremos durante el curso se basa en la reflexión sobre los diferentes elementos que operan en las artes escénicas y performativas, que principalmente son el cuerpo, el espacio y el tiempo, y el papel que cumplen en las diferentes fases de la cadena de valor (creación-producción-distribución-exhibición).

Igualmente insistiremos en varios conceptos clave -como teatralidad / performatividad, realización escénica / artes en vivo / performance- para una mejor comprensión de las prácticas discursivas y materiales que conviven bajo el paraguas de las llamadas artes en vivo.

Lois Keidan, directora de Live Art Development Agency, afirmaba en la década de los noventa: "El arte en vivo no es la descripción de una forma artística o una disciplina, sino una estrategia cultural para incluir procesos experimentales y prácticas experienciales que de otra manera quedarían excluidas de marcos críticos, culturales y de comisariado".

Los materiales didácticos de esta asignatura han sido concebidos a partir de un diagrama, creado colectivamente en un taller organizado por CETAE (Centro de Estudio Transversal Aplicado a la Escena) en Valencia, 2014.

El diagrama instaura un nuevo modo de concebir la realidad, rompiendo con el esquema binario y jerárquico "centro-periferia" y con la perspectiva lineal-temporal de la historia. El diagrama, según Deleuze y Guattari en el libro V de Mil Mesetas, sirve para pensar un régimen de signos que inaugura un nuevo modo de concebir la repartición entre contenido y expresión, entre el significado y el significante.

Diagramar es poner en relación las potencialidades, es establecer conexiones, no con el objetivo de representar la realidad, sino de crear una (otra). Por tanto, el diagrama es un régimen de signos que escapa a la representación. Su naturaleza es analógica, actúa como un modulador de la información. El lenguaje analógico es un lenguaje de relaciones que comporta movimientos expresivos como el grito, el llanto, un soplido. Así, diagramar, coreografiar o performar son prácticas relacionales que tienen como soporte el propio cuerpo.

Esta experiencia de estudio permite comprender que no sólo los límites entre las disciplinas artísticas han sido superados, sino también la pureza de sus figuras, es decir, la/el artista, la/el gestora/r, la/el comisaria/o (o programadora/r), la/el historiadora/r del arte, etc. Y en este sentido, conceptos como "cuarta pared" o "escenografía" han quedado obsoletos. Ya no sirven para describir la realidad actual en la creación contemporánea.

De la misma forma, el método diagramático revela las relaciones, las líneas de fuga, los desvíos, los contagios, las tensiones y los ritmos, a menudo desnivelados, entre la institución, el mercado y la sociedad.

Nuestra esfera laboral está determinada por una actividad frenética: programar, convocar, comunicar, reunirse. Lo que importa es no parar de producir, porque esa es la única forma que tenemos de hacernos visibles. Marina Garcés señala que "lo importante es que todo espacio de visibilidad es un espacio de reconocimiento y de control y lo que hoy entendemos por cultura se articula como tal de manera impecable. Pero, ¿qué ocurre con lo que no se ve? ¿Qué ocurre con lo que no responde a los perfiles determinados y a sus correspondientes casillas?".

En este sentido, tenemos que preguntarnos si ¿es posible darle un nuevo valor a la cultura? ¿Qué podemos aportar desde las artes escénicas y performativas? En los últimos años, hemos visto cómo artistas y productores culturales desarrollan estrategias transdisciplinares en un terreno extra-institucional. La vida social es el lugar en el que artistas, productoras/es, investigadoras/es generan artefactos críticos que traspasan otros territorios más allá de lo artístico. ¿Cómo pensar la gestión cultural en relación a estas prácticas de proximidad?

El diagrama nos permite entender que estos proyectos no están contra la institución, ni en los márgenes. Forman parte del paisaje cultural de cada territorio. Estas iniciativas independientes nacen con la voluntad de crear otras vías de apoyo y difusión a la creación artística, enriqueciendo el tejido cultural. Sus proyectos se inscriben en otras coordenadas cuya ética del hacer tiene que ver con las relaciones afectivas, las políticas del cuidado y con un compromiso, no sólo con los discursos y saberes minoritarios, sino con las prácticas de gestión.

Son lugares de encuentro (y no eventos culturales) para dar tiempo y espacio a las/los artistas para trabajar desde la "prueba-error", sin necesidad de presentar propuestas acabadas y aprendiendo de la lentitud de los tiempos que cada dispositivo requiere. Son proyectos artísticos, vitales y políticos con un gran potencial transformador en el plano de lo cotidiano, que no denuncian los modelos homogeneizantes sino que revelan, a través de sus prácticas, las relaciones de dominación en la esfera cultural.

Por tanto, para este curso lanzamos tres propuestas: la primera, intentar llevar a cabo el ejercicio de desapropiar la cultura, arrancándola de una determinada distribución de disciplinas (música, danza, teatro), roles (creador, productor, crítico, espectador) y espacios (escenarios, museos, aulas), la segunda, parar para pensar preguntas importantes como: ¿por qué hacer algo? ¿Para quién? ¿Cuáles son los objetivos? Y la tercera, generar un espacio de trabajo activando nuestra sensibilidad, escuchando y prestando atención a los otros, donde sigamos sorprendiéndonos y aprendiendo de los demás. En contextos de precariedad laboral, es fundamental tener en cuenta a las personas con quien estamos compartiendo las experiencias, hacernos sensibles, porosos e implicarnos[1].

 

La asignatura está estructurada conforme a las siguientes actividades:

PEC 1: diseño y pre-producción de un festival de artes en vivo. La/el estudiante deberá realizar el plan de pre-producción de las fiestas de la Melonera del distrito de Arganzuela  de Madrid, gestión que ha sido licitadas por el Ayuntamiento de Madird.

PEC 2: producción y presupuesto de un festival de artes en vivo. La/el estudiante tiene que crear el plan de producción de las fiestas y definir el presupuesto para ganar la licitación conrrespondiente.

PEC 3: plan de comunicación y marketing de un festival de artes en vivo.  Para completar el proyecto, la/el estudiante debe diseñar el plan de comunicación de las fiestas de la Melonera.

PEC Transversal: La/el estudiante deberá participar en la definición colectiva de los diferentes actores que conforman la cadena de valor de las artes escénicas y performativas y crear un diagrama correspondiente.

 

El proceso de aprendizaje de esta asignatura permitirá a la/el estudiante obtener el conocimiento necesario para crear un proyecto de artes en vivo, desde la pre-producción, la producción y  programación, hasta la comunicación. La formulación de este proyecto será definida en el marco de las fiestas de la Melonera del distrito de Arganzuela de Madrid cuya gestión ha sido licitada por el Ayuntamiento de Madrid. Para llevar a cabo la propuesta artística de las fiestas se ha seleccionado el espacio Matader Madrid.

Este es el desafío de esta asignatura: que las pruebas nos sirvan para pensar qué tipo de instituciones queremos, qué profesionales queremos ser y de qué manera nos gustaría trabajar, más allá de las formalidades académicas. En este sentido, las preguntas que lanza Marina Garcés de ¿por qué hacer algo? ¿Para quién? Y ¿cuáles son los objetivos? Son fundamentales para el desarrollo de estas actividades.

 

 

 

 

[1] Implicarnos quiere decir hacernos responsables de una determinada acción, esto es, dejarse afectar y ser consecuente con aquello que te afecta.

 

Amunt

La asignatura Artes en vivo pertenece al bloque de optativas del Plan de Estudios del Master en Gestión cultural UOC-UdG. Temáticamente se relaciona con otras asignaturas relacionadas con las Industrias culturales, como El sector de las artes plásticas y visuales, Letras y sector editorial y La industria audiovisual. En conjunto conforman un cuerpo sólido para aquellas personas que quieren especializarse en la gestión cultural. El complemento con el resto de las asignaturas, y la propia Artes escénicas, proporcionan las herramientas más adecuadas para acceder al mundo laboral del gestor cultural de hoy desde cualquiera de sus posibilidades. Tiene asignados 5 créditos ECTS y una carga lectiva de 125 horas.

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El seguimiento de esta asignatura permite a la/el estudiante poder asumir diferentes roles en el ámbito de las artes en vivo.

  1. Académica. Investigación sobre los modos de organización y producción (la cuestión de la autoría, las prácticas colaborativas, las prácticas colectivas, las industrias creativas, la gestión comunitaria, la relación "economía - cultura"); el tema de la cocreación, la participación y la transformación de la mirada del espectador; las prácticas instituyentes (reformular las relaciones entre crítica e institución); el papel de los Media, etc.
  1. Gestora y productora. Producción ejecutiva, planificación económica, gestión de subvenciones y patrocinios. Eso implica trabajar tanto en el sector público como en el privado: en compañías artísticas, centros de producción y exhibición, empresas productoras, festivales, ferias¿
  1. Responsable de comunicación. Asesoría y aplicación de un plan de comunicación para un proyecto escénico de una institución, festival, muestra y compañía: diseño de la imagen corporativa, prensa, comunicación digital, diseño de las estrategias y plan de actuación.
  1. Programadora (comisaria). Comisariar programaciones de artes en vivo teniendo en cuenta todos los factores que intervienen: propuestas artísticas - espacio necesidades-técnicas- financiación- público al que nos dirigimos).

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Se puede acceder a la asignatura sin un conocimiento específico previo. El contenido se puede trabajar desde una formación básica de grado en diferentes especialidades o desde la experiencia profesional.

No obstante, se recomienda haber cursado el primer bloc obligatorio del Master en Gestión Cultural y la asignatura: "Introducción a los sectores, industrias y entidades culturales".

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La asignatura pretende ofrecer una panorámica de los diferentes ámbitos de las artes en vivo, para que la/el estudiante adquiera las competencias necesarias para desarrollarse en el mundo profesional.

OBJETIVOS:

  1. Visualizar una panorámica general de las prácticas discursivas y materiales inscritas en las artes escénicas y performativas (en ese ejercicio de desapropiación de la cultura).
  2. Conocer el mapa de las estructuras de creación y producción tanto institucionales como independientes o auto-gestionadas.
  3. Reflexionar sobre cuestiones básicas pero muy importantes como ¿por qué hacer algo? ¿Para quién? Y ¿Cuáles son los objetivos? Esto es, una reflexión sobre el papel de las instituciones y las iniciativas independientes.
  4. Entender el proceso de producción de una muestra de artes en vivo: recursos técnicos, recursos humanos y económicos. 
  5. Conocer las vías de financiación en el ámbito público (subvenciones y co-producciones) y en el ámbito privado (patrocinio y micro-mecenazgo).
  6. Adquirir las competencias para diseñar un proyecto de artes en vivo en su totalidad: la programación, la producción y la comunicación.
  7. Reflexionar sobre el papel que el gestor cultural tiene en la sociedad: la capacidad de inventar y transformar formas de gestión y organización, defendiendo el conocimiento y la experiencia ante situaciones laborales precarias, reforzando las relaciones afectivas y entendiendo (y aprendiendo) que el fracaso también forma parte de nuestro aprendizaje continuo en la práctica cultural.

Durante la asignatura se trabajan las siguientes competencias:

  1. Capacidad de reconocer las transformaciones en las artes en vivo, prácticas escénicas y performativas, y con ellas, la gestión del tejido del que forman parte. 
  1. Capacidad de intervenir críticamente en la relación entre prácticas artísticas, instituciones, sociedad y mercado - desde el conocimiento-, y reflexionar sobre el potencial transformador de la cultura en el plano de lo cotidiano.
  1. Capacidad para proyectar nuevas perspectivas y retos en el ámbito profesional.

 

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Además del contenido del diagrama, la/el estudiante deberá trabajar con los siguientes contenidos:

 

  • Artículo "En defensa del arte del performance" de Guillermo Gómez-Peña. Colectivo La Pocha Nostra.
  • El conjunto de artículos de "La danza del futuro" ubicados en el blog del centro de creación El Graner (Barcelona).
  • Modelo de presupuesto de un proyecto escénico. 
  • Modelo de contrato de una compañía.
  • Ficha técnica de una producción de una compañía y de un espacio escénico.
  • Hoja de ruta de una compañía en gira.
  • Artículo "La economía de la cultura no existe" de Rubén Martínez.
  • Artículo "Dando lugar al deseo" de Sol Henaro.
  • Artículo "Retrato del artista como trabajador" de Dieter Lesage.

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Artes en vivo Web

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Los materiales de la asignatura son los textos desplegados en el diagrama. Como herramientas de apoyo, la/el estudiante encontrará varios textos en cada una de las PEC's, documentos relacionados con las tareas de producción, la bibliografía recomendada y el seguimiento del aula.

Amunt

La Normativa académica de la UOC dispone que el proceso de evaluación se fundamenta en el trabajo personal del estudiante y presupone la autenticidad de la autoría y la originalidad de los ejercicios realizados.

La falta de originalidad en la autoría o el mal uso de las condiciones en las que se hace la evaluación de la asignatura es una infracción que puede tener consecuencias académicas graves.

El estudiante será calificado con un suspenso (D/0) si se detecta falta de originalidad en la autoría de alguna actividad evaluable (práctica, prueba de evaluación continua (PEC) o final (PEF), o la que se defina en el plan docente), ya sea porque ha utilizado material o dispositivos no autorizados, ya sea porque ha copiado de forma textual de internet, o ha copiado de apuntes, de materiales, manuales o artículos (sin la citación correspondiente) o de otro estudiante, o por cualquier otra conducta irregular.

La calificación de suspenso (D/0) en la evaluación continua (EC) puede conllevar la obligación de hacer el examen presencial para superar la asignatura (si hay examen y si superarlo es suficiente para superar la asignatura según indique este plan docente).

Cuando esta mala conducta se produzca durante la realización de las pruebas de evaluación finales presenciales, el estudiante puede ser expulsado del aula, y el examinador hará constar todos los elementos y la información relativos al caso.

Además, esta conducta puede dar lugar a la incoación de un procedimiento disciplinario y la aplicación, si procede, de la sanción que corresponda.

La UOC habilitará los mecanismos que considere oportunos para velar por la calidad de sus titulaciones y garantizar la excelencia y la calidad de su modelo educativo.

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Esta asignatura sólo puede superarse a partir de la evaluación continua (EC). La nota final de evaluación continua se convierte en la nota final de la asignatura. La fórmula de acreditación de la asignatura es la siguiente: EC.

 

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