Animación

1.Principios básicos de la animación

1.1.Ritmo

Todo movimiento tiene su ritmo y para animar es preciso analizarlo para poder dar la sensación adecuada. El sentido del ritmo se puede ejercitar y desarrollar a medida que se aprende a animar.

En el tiempo de duración de un mismo movimiento y con la misma cantidad de imágenes, podemos aplicar ritmos distintos para dar sensaciones distintas. Cualquier acción que se anime tendrá una trayectoria que determinará la distancia del movimiento o el espacio que cubre la acción a animar. Todo ello estará ligado obligatoriamente al tiempo de duración de ese movimiento y a su ritmo.

La realización de los ejercicios propuestos sentarán las bases para un correcto desarrollo y posterior evolución de la técnica y aplicación del análisis del movimiento. El tiempo y el espacio serán reales. Se intentará apresar lo inapreciable y hacer realidad lo inexistente.

1.2.Peso y movimiento

La forma de moverse de un objeto es siempre indicativa de su peso.

No se mueve igual un elefante que una mosca. El primero lo hará de forma pesada y con movimientos suaves mientras que la mosca se moverá deprisa y con movimientos ligeros.

Ser conscientes de cómo sería aquello que queremos representar en la realidad siempre será una ventaja en el momento de animar.

Una correlación adecuada del peso de cada objeto o personaje con su representación en movimiento dará a éstos una personalidad propia, un aspecto que los hará diferentes a los demás y que mejorará mucho la credibilidad de la animación.

Pero, ¿cómo representar de forma gráfica el peso de un cuerpo?

A finales de los años veinte del siglo pasado, un grupo de animadores que trabajaban en los estudios Disney redactaron, con la finalidad de homogeneizar todos los dibujos del estudio, un conjunto de leyes que facilitan la representación de éste y de otros conceptos. Aunque a lo largo del tiempo estas leyes han ido variando un poco y reajustándose a cada momento histórico, siguen aún siendo vigentes.

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1.3.Los ocho principios de la animación 2D

En la actualidad se habla de doce leyes o principios de animación, de entre estos, hay ocho que pueden considerarse básicos.

1) Estirar y encoger

Consiste en exagerar las deformaciones de los cuerpos para dotar a los elementos de elasticidad. Si se abusa de él se obtienen con cierta facilidad sensaciones de comicidad o dramatismo. Si a un objeto se le aplica un estiramiento y un encogimiento adecuados, su representación gana en interés y credibilidad visual.

Como norma, un cuerpo al que se aplique este principio debe siempre respetar el total de su volumen.

Si imaginamos una pelota que choca contra el suelo veremos que mientras dura el contacto con éste dicha pelota sufre un achatamiento, pero su volumen no varía, ya que mientras se va chafando va estirándose en un plano paralelo al suelo.

Este es el principio de encoger y estirar.

2) Anticipación

Este principio está basado en el hecho de forzar a que el público lleve su mirada al lugar en el que está a punto de ocurrir la acción. Si imaginamos un lanzador de jabalina, veremos que toma carrerilla con el brazo, con el que aguanta la jabalina, echado hacia atrás. Justo en el momento de lanzar su brazo se va un poco más atrás y luego lanza rápidamente. En animación, a este momento de echar el brazo más atrás se le llama anticipación y se aplica a todo lo que se mueve. Si esta aplicación se hace de forma exagerada, se obtienen los efectos cómicos que todos hemos podido ver infinidad de veces en películas de dibujos animados.

Muchas veces este principio se conjuga con el de encoger y con el exageración.

3) Exageración

La exageración ayuda a reflejar la esencia de la acción. Una gran parte de esta exageración puede ser obtenida durante los fotogramas que dure el encogido, el estirado y la anticipación de un objeto.

4) Entradas y salidas lentas

Con este principio se consigue dar importancia a la acción por el hecho de acelerar la parte central de la misma, mientras que se hacen más lentos el principio y el final haciendo por tanto una lectura más retórica de estos tiempos.

5) Arcos

Los arcos sirven para dotar de naturalidad aquello que estamos representando. Su uso está muy ceñido a representaciones de personajes u objetos que vayan a tener comportamientos similares a los de un ser vivo.

Si miramos cómo anda una persona, veremos que su cuerpo va moviéndose como a pequeños saltos. Las pequeñas flexiones de piernas, el balanceo del cuerpo, el movimiento de sus brazos o su postura global determinan el estado de ánimo y el esfuerzo que está haciendo en la acción que desarrolla. Por su cuerpo podemos saber si camina o corre, si sube o si baja, si es joven o viejo, si está triste o alegre, si...

En animación, a todos estos pequeños movimientos se los conoce bajo el nombre de arcos y cada personaje responde a un arco de movimiento determinado según la acción que desarrolle.

Así pues, una niña que corra por el escenario probablemente describirá un arco grande mientras que una anciana que ande muy despacio describirá un arco muy suave.

Al utilizar los arcos para animar los movimientos del personaje, le estaremos dando una apariencia natural, ya que todas las criaturas vivientes describen trayectorias curvas durante sus movimientos. Si no utilizamos estos arcos probablemente nuestros resultados tendrán un punto robótica, lo cual, algunas veces, también puede ser útil.

6) Acciones secundarias

Las acciones secundarias son los pequeños movimientos que complementan a la acción principal. Generalmente las acciones secundarias duran unos cuantos fotogramas más que lo que dura la acción principal. Una acción secundaria podría ser, por ejemplo, la falda de una mujer. Mientras ella anda, todo su cuerpo se mueve y la falda se desplaza con él, pero cuando ella se detiene su cuerpo deja de moverse. La falda, sin embargo, permanecerá unos cuantos fotogramas en movimiento para simular la energía cinética que ha cogido la misma por el hecho de moverse con la chica.

Otro ejemplo podría ser el de unos personajes que viajan dentro de un vehículo, mientras éste avanza por el escenario, los personajes permanecen quietos, simplemente se desplazan dentro de él. Por el contrario, cuando el vehículo se detiene los personajes inician un ligero movimiento hacia delante para simular la detención del vehículo.

Esta pequeña variación de tiempos entre acciones principales y secundarias ayuda a dotar de credibilidad a la acción principal al tiempo que la refuerzan.

7) Timing

Es el tiempo que precisa un personaje para realizar una acción. La variación del tiempo proporciona la emoción y la intención necesarias en cada actuación. Las pausas de un movimiento pueden ser buen recurso para enfatizar una determinada acción.

8) Personalidad

La personalidad o apariencia como se le llamó en un principio, facilita la conexión emocional entre el personaje y el público. Debemos desarrollar nuestros personajes hasta darles un aspecto acorde con lo que van a representar dentro de la animación. El "bueno" ha de tener aspecto de muy bueno y el "malo" ha de tenerlo de muy malo.

2.Técnicas de animación

2.1.Métodos de animación en Flash

La animación en Flash permite los tres métodos de animación característicos de la animación digital:

1) Animación fotograma a fotograma o paso a paso. Es el más rudimentario, se utiliza el programa de animación como si se tratara de una truca, con dibujos completos en cada fotograma que incluyen las evoluciones del movimiento. La virtualidad del proceso puede resultar provechosa en comparación a la manipulación de la animación en una truca, pero obliga a "memorizar" mucha información correspondiente a cada fotograma, lo cual podría desbordar los recursos del programa. Un desarrollo de esta técnica tradicional se encuentra en la animación por sustitución de objetos, mucho más adaptada a la capacidad de gestión del programa.

2) Interpolaciones clásicas y de movimiento. Consiste en fijar la situación, la rotación o bien la escala de los objetos que se quieren animar, unos determinados fotogramas (fotogramas clave), más o menos distantes entre sí en la línea de tiempo, de manera que el programa pueda realizar automáticamente (interpolar) los fotogramas intermedios. En tal caso, el programa solamente memoriza los fotogramas clave, con el consecuente ahorro de recursos que ello representa.

3) Interpolación de forma (metamorfosis). Utiliza la interpolación de la misma forma que el caso anterior, pero lo ejerce sobre los puntos de control de un objeto, de manera que, modificando la posición de estos puntos de control en los fotogramas clave, el objeto cambia de forma en el desarrollo del movimiento. También se puede aplicar sobre el color y los materiales.

El programa permite la utilización simultánea de todos estos recursos, aplicados a objetos diferentes de una misma escena, lo cual convierte en muy versátil el proceso de animación.

3.Cálculo de la animación. Aproximación al cálculo de un recorrido

Una vez analizado el movimiento a realizar, sabremos su duración, es decir, el tiempo.

1.ª pregunta: ¿Cuantas imágenes necesitaré para llevarlo a cabo?

Es imprescindible saber el tipo de animación con la que vamos a realizar la animación. A partir de aquí, podemos aplicar una fórmula que nos puede servir de base de acción.

Tiempo de acción (segundos) × velocidad de proyección (24 fot.) ÷ tipo de animación

Una vez aplicado este cálculo tendremos la cantidad de imágenes necesarias para la realización del movimiento propuesto con el tipo de animación escogido.

3.1.Cuestiones a tener en cuenta a la hora de analizar un movimiento

Para imaginar o analizar un movimiento (su carácter, su velocidad, su ritmo, etc.), un animador debe convertirse en actor. El animador es como un actor, solo que, en lugar de ser él quien interpreta los papeles, se encarga de que sus personajes lo hagan. El animador debe introducirse en la piel no solo de los personajes, sino también de los elementos que deban expresar un movimiento. Debe imaginar de qué forma vuela un pájaro considerando qué tipo de pájaro es, cuánto pesa, cuál es la dimensión de sus alas y qué sensación desea transmitir con ese vuelo. Aunque copiemos imagen por imagen un vuelo de imagen real, nuestro pájaro no estará realmente animado, es decir, no va a transmitir la sensación de vida deseada. Para conseguirlo tenemos que tener en cuenta el batir de sus alas, su peso y su ritmo: solo así sabremos cómo debemos animar ese vuelo.

La velocidad y el ritmo en el que se desarrolla una acción depende del tipo de objeto que se esté animando.

A cada acción le corresponde una velocidad que le es propia.

Pero esta misma acción tendrá ciertas modificaciones según cuál sea el estado de ánimo, el carácter, el sentimiento que queramos transmitir.

Con la animación podemos conseguir que un objeto nos transmita un sentimiento humano. Esta es la magia de la animación.

Por lo tanto, para animar hay que considerar en un principio los siguientes puntos:

Intentar captar el movimiento que deseamos animar convirtiéndonos en el objeto o elemento en cuestión y buscando sus rasgos más característicos.
Analizar el recorrido de la acción y el tiempo de este recorrido: la velocidad.
Analizar el ritmo de este recorrido según la velocidad (cadencias, progresiones, frenadas, etc.).
Considerar las modificaciones necesarias de la acción según el estado de ánimo, el carácter, el sentimiento que queramos representar en la animación.

4.Ritmos de desplazamiento

4.1.Línea de desplazamiento

Para desplazar un objeto vamos a empezar a aplicar el cálculo propuesto en el apartado 4 del módulo "Animación 2D". Como objeto utilizaremos una forma simple: una pelota. Con la pelota trabajaremos, en un principio, todos los pasos básicos para comprender el desarrollo de las distintas partes de los movimientos.

Queremos, por ejemplo, animar una pelota haciendo un recorrido de A hasta B.

La primera pregunta sería: ¿En cuantas fases tengo que subdividir este movimiento para que el objeto realice ese recorrido?

Por consiguiente: primero hay que determinar el tiempo del recorrido y el tipo de animación (full, media o limitada).

Vamos a suponer que el tiempo del recorrido según la motivación de la acción es de 3 segundos y que vamos a desarrollar el movimiento con animación media.

El cálculo que aplicaremos es simple:

3 segundos (tiempo de acción) × 24 fotogramas por segundo (velocidad de proyección) = 72 fotogramas (el total del recorrido).

Dividimos entonces los 72 fotogramas por el tipo de animación. En este caso hemos decidido que sería animación media. Por lo tanto, si asignamos dos fotogramas por imagen, tenemos que dividir los 72 fotogramas por dos obteniendo, así, el número de imágenes que necesitamos: 36. El recorrido de la pelota de A hasta B se animará, por tanto, con 36 imágenes.

Mediremos a continuación la distancia del recorrido y la dividiremos por el número de imágenes. Supongamos que disponemos de una distancia de 126 mm; dividida por las 36 imágenes, nos dará como resultado que, para un recorrido uniforme, la distancia entre cada una de las imágenes será de 3,5 mm.

A medida que se adquiere más práctica en el análisis del tiempo, ya se aplica el cálculo directamente.

4.2.Escalas de desplazamiento

Llamamos escalas de desplazamiento a los gráficos que nos indican la situación exacta de las imágenes según la velocidad, el ritmo y el movimiento en general.

Hemos dicho que para recorrer la distancia de A a B en 3 segundos y en animación media necesitamos 36 imágenes de nuestra pelota, situadas a una distancia de 3,5 mm. La relación visual entre cada una de las imágenes será por tanto la misma: igual tiempo de retención e igual distancia entre todas. Por lo tanto, la sensación de movimiento será de un recorrido uniforme, sin ritmo alguno, como un sonido sin variación.

Ahora bien, si cambiamos la línea de desplazamiento de la pelota, ésta tendrá un movimiento distinto debido a la oposición que le impone este nuevo recorrido. Analicemos pues este nuevo caso: igual distancia, igual tiempo, misma cantidad de imágenes, pero un movimiento distinto a representar.

Si, como hemos dicho con anterioridad, es la retención retiniana el medio que nos facilita la visión del movimiento, lo que tendremos que variar para alterar la monotonía del desplazamiento de la pelota será la retención. Es decir, no nos limitaremos a desplazar la pelota, sino que empezaremos a animarla.

Vemos en el ejemplo que la diferencia de velocidad queda evidenciada por la situación de la escala de desplazamiento. La velocidad irá frenando a la subida para acelerar cuando la pelota desciende.

Menos distancia, más imágenes, más tiempo, más información visual: la acción se ralentiza.
Más distancia, menos tiempo, menos imágenes, menos información visual: la acción acelera.

El punto de referencia es aquel que, dentro de una línea de recorrido de un volumen en movimiento, se toma como punto de partida y límite entre las imágenes.

4.3.Líneas de acción

Las líneas de acción son aquellas que indican el recorrido de cualquier movimiento. En un desplazamiento puede haber o no acciones distintas.

Por ejemplo: la pelota recorre la distancia anterior dando distintos botes. En este caso, la línea de acción sería la que nos indica el recorrido de la pelota en la acción de sus distintos botes.

O bien: la pelota bota sobre sí misma, sin desplazarse. Aquí la línea de acción nos indica la altura del movimiento, etc.

Todo movimiento tiene su línea de acción. Cuanto más complejo es el movimiento, más necesario es definir la línea de acción que lo soporta. Antes de empezar a dibujar, es imprescindible analizar el movimiento teniendo en cuenta qué es lo que hace mover las cosas.

4.4.Motivo de la acción

Una vez llegados a este punto debemos preguntarnos: ¿por qué se mueve la pelota?, ¿de dónde procede la fuerza que la desplaza?

En la mayor parte de las animaciones que representan acciones o sentimientos humanos, la fuerza que impele la acción es el estado de ánimo, el carácter y la personalidad del personaje.

Cuando vayamos a animar una acción, pensaremos en el movimiento en su conjunto y en el tiempo de duración del mismo, teniendo en cuenta cuáles serían las fases o imágenes claves. Dibujaremos, entonces, las líneas generales o líneas de acción, sin definir más detalles hasta comprobar el funcionamiento de este movimiento.

La línea de acción es, en cierto modo, la columna vertebral de todo movimiento. Es una línea de relación invisible que encontramos en todas las acciones y que nos define las fuerzas que provocan esa acción.

4.5.Fases e intercalados

Para animar, no hay que realizar una imagen detrás de la otra hasta completar más o menos toda la acción, sino analizar primero las posiciones clave: extremos, puntos de recorridos, poses principales de la acción que muestren las características más expresivas del movimiento. A estas imágenes las llamamos fases o claves.

Podemos definir una fase como aquella imagen sin la que el movimiento que deseamos representar no sería el que es, sino otro distinto. Con las mismas fases, el movimiento podría cambiar de velocidad, de ritmo, pero sus características, tanto de carácter como de recorrido, serían las mismas. Sin embargo, si alteramos alguna de las fases, el sentido del movimiento que estamos animando cambia.

Si eliminamos las fases 2 y 4, veremos cómo, debido a la retención retiniana, sumaremos visualmente la fase 3 a la fase 1 y la fase 5 a la fase 3, con lo cual la percepción del movimiento cambia totalmente.

Los dos botes primeros desaparecen y la pelota se desplaza linealmente.

A la hora de animar, es importante tener en cuenta, en primer lugar, el tiempo de la acción y, a continuación, las fases adecuadas para desarrollar el movimiento según el tiempo calculado. Finalmente determinaremos, en función de la velocidad y el ritmo, las escalas de desplazamiento entre fase y fase. Estas escalas entre fases se convierten en los guiones, que nos indicarán la posición de las imágenes intermedias o intercalados.

Los intercalados son, pues, aquellas imágenes que situamos según las escalas o subdivisión de los movimientos. Se convierten, hasta cierto punto, en imágenes más de traslación que de definición de carácter del movimiento, aunque son necesarias para definir tanto velocidad como ritmo. Nos cubren la relación de las fases tanto en su traslación como en su diferenciación de forma.

El mismo principio de fases e intercalados se emplea para el control y análisis de cualquier movimiento, formas en transformación, efectos, etc.

La línea vertical del guión de intercalación que une las dos fases es la hipótesis de la línea de acción. Las líneas que cortan horizontalmente esta línea de acción indican la situación o la distancia en la que tendrán que situarse los intercalados entre fase y fase, siguiendo el ritmo de la escala de desplazamiento.

5.La fluidez en el movimiento

5.1.Alteración de la percepción real. La deformación

Animar no es simplemente trasladar una forma o un objeto de una parte a otra de una pantalla. Para dar vida a los objetos que animamos, para conseguir que el espectador perciba aquel movimiento como real, no basta con repetir de forma mecánica el dibujo o la imagen que lo represente, limitándonos a cambiarlo de posición. Si solo dibujamos lo que nos parece ver, nuestras animaciones, al ser proyectadas, darán una sensación de rigidez y poca naturalidad. Estamos jugando con sensaciones.

No vemos la imagen que dibujamos, sino que percibimos la sensación visual que nos produce la relación entre cada una de las imágenes que componen nuestra animación. Para darle un aire de naturalidad, hay que exagerar y realzar imágenes que, por sí solas, no nos parecerían representativas del objeto, es decir, no nos parecerían naturales. En las imágenes en movimiento, el ojo resta como mínimo un tercio de la captación de la forma. Por lo tanto, el animador debe exagerar las acciones y las reacciones sometidas a fuerzas físicas para que parezcan naturales.

Para que el movimiento parezca real, nuestra pelota tendrá que aplastarse cuando choque contra el suelo y, según la velocidad de salida del rebote, tendrá que deformarse en sentido contrario. Solo recobrará su forma natural en los momentos de ralentización de la acción.

Para crear la ilusión del movimiento natural, tenemos que hacer dibujos o imágenes que por sí solos no representan fielmente los objetos. La deformación de los dibujos refleja el comportamiento natural de los cuerpos en movimiento.

El mismo principio sirve para todo tipo de formas. Imaginemos una línea vertical (una regla de plástico, por ejemplo). Si trasladamos la regla de un lado a otro de la pantalla sin deformarla, veremos que el movimiento carece de toda naturalidad.

Para que el movimiento de traslación sea natural es necesario curvar la regla en el sentido contrario de la dirección del movimiento, teniendo siempre en cuenta que, a mayor velocidad, mayor deformación y mayor reacción.

Esta norma sirve para la mayor parte de las animaciones. Las formas pueden ablandarse y estirarse en el sentido de la acción. Esto contribuye a un desarrollo continuo y natural de los movimientos: con la deformación, el ojo tendrá mayor facilidad para establecer la relación entre las imágenes, obteniendo, así, la sensación de movimiento natural.

5.2.Grado de deformación

El grado de deformación de un objeto no depende únicamente de las fuerzas que le apliquemos según la acción. Hay que tener también en cuenta su peso, el material con el que esté construido, su propia elasticidad, etc. Cuando queramos dar una sensación exagerada para un movimiento X y apliquemos para ello una deformación también exagerada, debemos tener presente que, a pesar de las deformaciones, el objeto nunca debe perder sus características esenciales.

La deformación es uno de los puntos básicos para conseguir una animación fluida, pero si se aplica indebidamente, puede crear un efecto contrario al pretendido. Se trata de adaptar siempre las reglas básicas de la técnica de la restitución del movimiento a las necesidades y el estilo de la animación.

6.Desglose del movimiento

6.1.Anticipación

A partir del análisis de cualquier acción descubriremos que, a cada movimiento, le corresponde una preparación, una acción y un impacto o reacción. Para acentuar el ritmo y la captación de los movimientos es conveniente la aplicación de la anticipación. La deformación coherente, tanto de la forma como de la situación del objeto en el espacio, es el acento básico para conseguir revitalizar el sentido del movimiento. Cuanto más lenta sea la anticipación con respecto al tiempo del movimiento, más se llamará la atención sobre este movimiento. Cuando con un movimiento queramos señalar hacia una dirección, precederemos esta acción en el sentido contrario.

Siempre que queramos subrayar cualquier tipo de acción se aplicará la anticipación adaptada al acento que se pretenda.

En animación, la acción es la consecuencia de la anticipación. Es el desarrollo del propio movimiento, y obtiene carácter y sentido a partir del vínculo creado con su propia anticipación.

6.2.Impacto y reacción

El impacto en una acción se produce siempre y cuando el movimiento es detenido por una fuerza externa. Sin embargo, hay que tener en cuenta que toda acción tendrá su reacción, y esta, a su vez, será la consecuencia de las tres partes encadenadas del movimiento. La exageración tanto de tiempo como de forma en cada una de estas tres fases (anticipación, acción, reacción) dependerá del acento, el ritmo, el estilo que nos interese darle a nuestra animación.

6.3.Animación secundaria

Llamaremos animación secundaria a aquella acción de la cual, el desarrollo de su movimiento dependerá del de otro objeto o personaje.

Este principio de continuidad del movimiento está basado, como todo en animación, en la observación y el análisis de los fenómenos naturales. Se aplicará a los objetos o a los accesorios de personajes, como colas, cabellos, ropas o cualquier elemento que pueda desarrollar un movimiento libremente.

Si el objeto o el personaje gira en redondo, se para bruscamente o cambia de ritmo, el elemento que dependa de esta primera acción seguirá su propia trayectoria y su propio movimiento hasta que se detenga de forma natural. A la línea resultante, generalmente curva, de la primera línea de acción se la denominará línea del arco.

Otra de las bases para conseguir una animación fluida es tener en cuenta las animaciones secundarias en todo momento. Es otra de las "trampas" visuales que, como las deformaciones, ayudan a nuestro ojo a relacionar una imagen con otra creando de esta forma la sensación de movimiento real.

6.4.Fugas y takes

6.4.1.Fugas

Cuando queramos animar el movimiento de un objeto o personaje a gran velocidad, no dibujaremos o representaremos el objeto en toda su forma y contorno. La deformación hace desaparecer el límite de la forma creando las líneas fugas que se representarán en el sentido contrario a la acción.

6.4.2.Takes

Llamamos takes a aquellos dibujos o imágenes que pertenecen al grupo de las deformaciones.

Cuando queramos remarcar una acción de forma exagerada o contundente, aplicaremos un take, que consiste en la deformación del objeto en el sentido contrario a la propia acción.

Los puntos de situación son aquellos que nos ayudan a comprobar el movimiento, situando cada una de estas fases sobre estos puntos.

Si queremos enfatizar todavía más esta acción, podemos utilizar un contra-take, es decir: imagen normal de una acción, take, contra-take, que es la acción exagerada y totalmente contraria al take, y la acción final que queremos remarcar.

Cualquier tipo de efecto (los takes, las fugas, etc.) se hará siempre en un fotograma. Hay que tener en cuenta que no es la visión de estos efectos lo que nos define el movimiento, sino la sensación que nos da la percepción de la relación entre las imágenes que crean el movimiento.

7.Tipos de movimientos cíclicos. Clases de cíclicos

Son muchas las acciones que podemos traducir a movimientos repetitivos. Analicemos, por ejemplo, el caminar, las ruedas en movimiento, el humo, el ondear de una bandera, así como la mayoría de movimientos mecánicos. En todos estos casos, después de analizada la acción, podemos desarrollar únicamente la animación del primer movimiento y limitarnos a ir repitiéndolo tantas veces como sea necesario, según el tiempo de duración total.

Existen dos clases básicas de movimientos cíclicos:

Movimientos continuos.
Movimientos de ida y vuelta.

7.1.Movimientos continuos

A este grupo de cíclicos pertenecen aquellos movimientos cuya última imagen es la anterior a la primera, es decir, aquellos movimientos en los que la acción se termina y vuelve a empezar desde un principio (1 2 3 4 5 1 2 3 4 5, etc.).

Se encuentran en este grupo los cíclicos centrales en pantalla y los cíclicos de traslación.

El cíclico central en pantalla consiste en las mismas imágenes de un movimiento que se repiten. Este tipo de cíclicos suelen utilizarse con un fondo panorámico móvil. Se aplican, en particular, a las acciones que tienen una dirección concreta (un personaje que anda, un coche que circula, un tren, etc.). En este caso, la acción es animada sobre sí misma: el personaje no cubre la distancia de un paso, sino que resbala sobre su eje central, siendo el fondo el que se desplaza en sentido contrario al de la marcha, repartiendo la distancia del paso según la cantidad de imágenes que constituya la acción.

En los cíclicos de traslación, es el movimiento el que se repite, pero con distintas imágenes.

7.2.Movimientos de ida y vuelta

Este segundo tipo de cíclicos son aquellos movimientos que, para retomar el principio, vuelven hacia atrás para reiniciar la acción (1 2 3 4 5 4 3 2 1 2 3 4 5, etc.).

Hay que tener en cuenta que para realizar un cíclico se necesitan un mínimo de tres imágenes. Si sólo se efectúan dos imágenes la sensación visual es de vaivén sincopado.

8.Forma y movimiento

Tanto el tipo de forma como el tipo de movimiento están estrechamente relacionados.

Al plantearnos un estilo de animación (blanda, suave, esquemática, rígida, etc.), debemos tener presente la estética a la cual pertenece la forma con la que desarrollaremos el movimiento de nuestra animación.

Normalmente, para poder conseguir un resultado directo, comprensible y armónico en una animación, aplicamos la correspondencia entre forma y movimiento. Por otra parte, si analizamos esta relación, nos daremos cuenta de que es lógico hacerlo así.

A un tipo de animación blanda le corresponderán unas formas y unos volúmenes redondeados que, aunque puedan ser estilizados o esquemáticos, no resultarán ni rígidos ni angulosos. Para poder dominar mejor el movimiento, desglosaremos las formas en sus distintos volúmenes y estudiaremos la relación que se establece entre ellos y la correspondencia de sus proporciones. La técnica de animación más adecuada será la full o media.

A un tipo de animación más rígida le corresponderían formas más planas o de estilo más anguloso. En este caso habría que analizar también la correspondencia entre las proporciones, pero teniendo en cuenta que simplificaríamos los volúmenes a formas geométricas. A un movimiento más rígido, menos suave, le puede corresponder la animación media o limitada.

Consideraciones

Estas reglas, no obstante, no son absolutas, ya que, si lo requiere el proyecto a realizar, siempre podemos mezclar distintos tipos de animación.

Lo que sí es inamovible son las bases que hay que aplicar para realizar el movimiento: línea de acción, trayectoria, deformación, anticipación, acción, reacción, etc. Estas bases las aplicaremos siempre teniendo en cuenta el volumen del cuerpo a animar, su materia, su carácter, el sentimiento que deseamos expresar, la deformación necesaria según la velocidad, tiempo, etc., y el estilo estético de cada proyecto.

9.Efectos especiales en 2D

A pesar de que Flash no es un programa especialmente diseñado para crear efectos especiales, es posible realizar fácilmente algunos efectos naturales simples como pueden ser: agua, fuego, lluvia, viento o relámpagos. Estos elementos, además de poder ser indispensables en algunos casos, ayudan a potenciar el ambiente, el tono dramático o la comicidad de cualquier animación.

Desde un punto de vista técnico se consideran elementos especiales y no animaciones propiamente dichas. Ello es debido a que, cuando hemos de realizar una animación de algunos de estos elementos, no debemos regirnos por ninguno de los principios propios de la animación, sino que lo que debemos aplicar es un conjunto de arquetipos que ya están preconcebidos en la mente del espectador y que serán los que harán que éste identifique la imagen con aquello que queremos representar.

Los efectos naturales responden a reglas caóticas a situaciones no repetitivas que los hace muy complicados en el momento de animar. La aleatoriedad de un sistema es siempre un elemento muy complicado de representar. Esto hace que antes de empezar a animar debamos tener presente qué función va a cumplir ese efecto en nuestra animación.

Si, por ejemplo, la lluvia va a ser la protagonista real de una historia, requerirá de un esfuerzo considerable para representarla correctamente en cada momento de la animación. No representaremos igual una tormenta de principios de otoño que una fina lluvia del mes de febrero.

Si, por el contrario, el elemento lluvia va a ser únicamente un complemento a nuestra animación, como puede ser, por ejemplo, una conversación de dos personajes bajo un paraguas en un día de lluvia, nos bastará con crear un ciclo más o menos largo y repetirlo mientras dure la escena en la que se necesita crear la situación concreta.

En este segundo caso es donde Flash puede ayudarnos mejor por el hecho de trabajar haciendo bucles constantes y evitándonos así una cantidad considerable de trabajo.

En las películas de animación, la mayoría de fenómenos naturales se representan mediante movimientos repetidos, de modo que se les puede aplicar el principio cíclico para su realización. Para ello hay que analizar el movimiento a animar, descifrar el ciclo completo de sus fases y repetir el cíclico según convenga en función del tiempo de que se disponga.

9.1.La lluvia

Tanto la lluvia como la nieve se mueven de forma muy aleatoria, esto los hace muy complicados de animar, ya que los ciclos cortos pueden ser fácilmente detectables por parte del espectador, por lo cual, si como se ha mencionado anteriormente el elemento climatológico va a ser el protagonista, harán falta muchos esfuerzos hasta conseguir un buen resultado.

Para obtener un efecto correcto de lluvia, se puede utilizar un cíclico repetido de 3 a 6, de 6 a 9 o de 9 a 12 fases, según sea el estilo de la animación. Se puede definir la lluvia con pequeñas líneas blancas. Las líneas deben ser paralelas, pero no necesariamente de la misma medida y la distancia entre ellas no tiene por qué ser regular.

Se puede añadir, en la misma fase, la salpicadura de las gotas rebotando sobre el suelo.

9.2.La nieve

Con la nieve se puede utilizar el mismo principio que el de la lluvia. No obstante, si consideramos alguna diferencia, será la distancia entre los copos de nieve y las gotas de agua en el cíclico de la lluvia. Para obtener una sensación de suavidad y de regularidad, la distancia entre los copos de nieve será mucho menor que en el cíclico de la lluvia. Otra diferencia evidente respecto a la lluvia es la forma que tienen los copos de nieve durante la caída.

Deberemos tener presentes estas dos diferencias en las siguientes fases de creación:

La forma de caer la podemos variar en las interpolaciones individuales. La lluvia cae linealmente mientras que la nieve describe una forma de espiral durante su caída. Podemos crear esta forma a través del uso de guías de capa que controlen las interpolaciones de cada uno de los símbolos internos.
La velocidad es incremental igual que en el caso de la lluvia, pero a diferencia de esta, las interpolaciones deben ser más largas y las curvas de aceleración deben retener más tiempo los fotogramas de inicio de las interpolaciones.

9.3.Agua

El agua es uno de los elementos más complicados de animar, ya que su forma y textura puede variar en cuestión de segundos. Como norma general el agua suele animarse mediante interpolaciones de forma, ya que a través de ellas podemos cambiar fácilmente la forma ondulada de su superficie.

Además, generalmente estas interpolaciones se colocan anidadas dentro de un símbolo gráfico o clip de película, el cual permite que puedan existir diferentes capas con interpolaciones distintas. Jugando además con un cambio de color, se pueden conseguir efectos de profundidad al mismo tiempo que cada capa va realizando su propia interpolación.

Otro tema distinto es cuando el agua o el líquido que queremos representar se encuentra metido dentro de un recipiente, un vaso por ejemplo. En esas ocasiones suelen usarse elementos gráficos que permitan bajar el alfa para crear así transparencias y poder además cambiar el color del líquido contenido fácilmente.

9.4.El fuego

Existen diversos tipos de fuegos: llamas pequeñas, llamas grandes, explosiones,...

Algunos de estos tipos, como es el caso de las explosiones, no funcionan demasiado bien en Flash cuando lo que se busca es plasmar cierto grado de realismo.

Para las que sí que funciona bien Flash es para las llamas pequeñas, como puede ser la de una vela o para los fuegos de una hoguera. En ambos casos la forma de trabajar es similar.

9.4.1.Llama de una vela

Para crear una llama pequeña de una vela o una cerilla, podemos basarnos en alguno de los ciclos de las imágenes siguientes. El hecho de usar uno u otro dependerá del entorno en el que debamos colocar la llama.

Observad que para realizar este ciclo tan solo se han dibujado tres elementos, dos de los cuales se han repetido dándoles diferentes apariencias, el resultado es una animación de una vela creíble en una escena con otros elementos que sugieran la presencia de un viento muy ligero.

Haciendo algunos pequeños reajustes al ciclo anterior, podríamos obtener resultados diferentes en función de la cantidad de viento que quiera simular la escena.

9.4.2.Fuego de leña

El ciclo de creación de un fuego de leña se basa en los mismos ciclos que en la llama de una vela, no hará falta crear más que un conjunto de ciclos que por una parte incorporen pequeñas variaciones entre ellos y por otra tengan su inicio en fotogramas distintos al primero. Recordad que en el caso de símbolos gráficos podéis indicar en qué fotogramas queréis que se inicie la reproducción.

En la imagen siguiente podéis ver el resultado de aplicar diferentes instancias del mismo símbolo a las cuales se les ha aplicado lo siguiente:

Inicio en fotogramas distintos.
Escalado distinto en cada caso.
Sesgado en algunos casos.
Alfa distinto en cada uno de ellos.

9.5.Viento

El viento es un elemento intangible que por sí mismo no se puede representar, siempre precisa de otro elemento de soporte que lo haga visible y evidente. Además de esto, generalmente, al contrario que otros elementos de la naturaleza, el viento acostumbra a tener un soporte en el audio para ayudar a interpretar la intensidad del mismo.

Las escenas que contienen elementos que incorporan viento muestran siempre personajes en lucha contra este elemento. Personajes que se encorvan hacia delante para simular la fuerza que deben efectuar al andar. Sus movimientos acostumbran a ser muy rápidos en la acción de andar y muy lentos en las pausas, en los tiempos en que los dos pies tocan al suelo.

Para ayudar a crear la sensación de la existencia de viento, podemos recurrir a dos elementos, por una parte hacer uso de iconografías propias del cómic y por otra colocar en la escena elementos que sean susceptibles de cambiar su forma en función del viento, como por ejemplo banderas o ropa colgada.

Para simular el viento, las viñetas de cómic incorporaron unas líneas que, aunque en la realidad nunca las vemos, ya que no existen, todos asociamos con este fenómeno. El uso de dichas líneas marcando la dirección de movimiento que simula tener el viento ayudará a reforzar la presencia del mismo.

Por su parte, un tendedero con ropa colgada o una banderola puede ayudar a remarcar la intensidad del viento que quiere mostrarse en la escena. Dependiendo de la forma que mostremos, el espectador tendrá la sensación de estar viendo una escena con una ligera ventisca o con un fuerte viento.

Las animaciones de estos objetos acostumbran a hacerse por interpolación de forma muy parecida a si hiciéramos un oleaje de agua.

9.6.Rayos y relámpagos

Es probablemente el fenómeno más simple de animar, ya que, debido a la rapidez en la que sucede, todos los pequeños detalles suelen ser poco importantes.

Podemos comparar el movimiento de un relámpago al que hace la lengua de una rana cuando caza un mosquito. Si imaginamos este ejemplo, veremos que la rana permanece quieta y sin más lanza la lengua, retiene al mosquito y vuelve rápidamente a meterla dentro de la boca. Si traducimos el tiempo que describe esta acción a la de un relámpago veremos que el tiempo en que permanece la rana observando lo dedicaremos a crear fotogramas con líneas que se inician en un punto común y que dibujan los brazos del relámpago. El momento de la caza del mosquito corresponderá al fotograma donde el rayo toca al suelo o al objeto que queramos tocar. Por último, el momento en que la rana vuelve a meter la lengua en la boca corresponderá a uno o dos fotogramas completamente blancos.

En la imagen siguiente pueden verse todos los fotogramas de creación de un efecto de caída de rayo.

10.La profundidad de la escena 2D

Cuando trabajamos en dos dimensiones, acostumbramos a ver siempre el escenario de la acción como un elemento que responde a las dos dimensiones, altura y anchura, de la pantalla que limita la escena y lo que se muestra en ella.

Sin embargo, existe otra dimensión que es importante tener en cuenta, ya que contrariamente a lo que sucede con la anchura y con la altura, no tiene limitación, es la profundidad.

Si construimos la acción a lo largo de este eje conseguiremos dotar de mucho mayor interés a nuestras animaciones, pero para que ello sea posible debemos tener en cuenta algunos aspectos importantes acerca de cómo van a verse y relacionarse entre sí los diferentes elementos que intervienen en la escena.

Estas claves visuales de percepción de profundidad son:

Superposición
Volumen
Sombras
Cambios de paralaje
Variaciones visuales en movimientos horizontales y verticales
Variaciones visuales perpendiculares a la acción

10.1.Superposición

Es la relación más fácil de realizar, cuando un objeto tapa una parte de otro rápidamente entendemos que el primero se encuentra delante del segundo. Cuando únicamente usamos esta clave visual para establecer la profundidad de nuestra escena, los resultados que obtenemos suelen ser muy planos, carentes de volumen.

10.2.Volumen

Si miramos la imagen siguiente veremos rápidamente cuál es el elemento que se encuentra en primer término y cuál está situado tras éste. Ello es debido a dos cosas: por un lado la superposición de uno de ellos y por otro debido a la orientación de las volumetrías.

El hecho de situar el punto de luz del degradado en un lugar concreto del círculo ayuda a dotarlo de volumen y automáticamente lo separa del prisma. Las sombras por su parte contribuyen a reforzar este efecto.

Cuando creamos un cuerpo, sea éste el que sea, debemos tener siempre presente la sensación que queremos transmitir de esa forma, podremos ayudarnos durante el proceso de pintado de los elementos que necesitemos para ello.

Flash ofrece una potente herramienta de degradados, los cuales, aunque no es aconsejable usar en exceso, pueden ayudar a dotar de volumen a algunos cuerpos. Es importante tener presente que el uso indiscriminado de esta herramienta puede dar lugar a confusiones visuales y/o a efectos no deseados.

En la imagen siguiente puede verse cómo la misma herramienta usada de formas diferentes transmite sensaciones distintas: en un caso simula un cuerpo con una volumetría llena, cóncava, mientras que en el otro caso la volumetría sugerida es similar a la de un tubo vacío, convexa.

10.3.Sombras

Las sombras cumplen dos funciones. Por una parte sirven para relacionar dos a más cuerpos y por otra ayudan a reforzar la volumetría de aquello que las recibe.

La falta de sombras genera personajes y cuerpos excesivamente planos. Aunque en animación un exceso de sombras puede crear efectos claroscuristas y dificultar el propio proceso de trabajo, es conveniente realzar con sombras algunos personajes y/o puntos clave de la animación.

Flash admite representaciones de sombras que provengan tanto de luces duras como de luces suaves. Una representación de sombras de una luz dura será aristada, marcará claramente la zona de sombra y de luz. Las luces suaves generarán sombras donde el traspaso de la zona de luz a la de sombra será suavizado.

Para la representación de una luz dura será suficiente escoger un color sólido y adecuarlo a la situación, bien sea escogiendo directamente el color de sombra y pintando en la misma capa que contiene la figura o bien colocando la sombra en una capa distinta a la de la figura y ajustándola de color a través de una transparencia alfa de dicho color.

En la imagen siguiente puede verse cómo la aplicación de uno u otro tipo de sombra sobre la misma figura sugiere iluminaciones distintas.

10.4.Cambios de paralaje

Hablamos de paralaje para referirnos a la desviación angular que sufre la posición de un objeto en función del punto de vista desde el que es visto.

Observad las imágenes siguientes. Aunque no se encuentren bajo el mismo punto de vista, aunque ni tan solo la estructura, en cuanto a composición visual se refiere sea la misma, todos identificamos las mismas formas.

Hasta ahí no hay mucho secreto, simplemente reconocemos la igualdad de las formas por ellas mismas y por su color independientemente del lugar que ocupen en el espacio. El proceso de reconocimiento y de relación entre ellas termina aquí.

Sin embargo, en las imágenes siguientes, además de poder reconocer las formas también podemos establecer una nueva relación entre las mismas. Una relación de cambio de punto de vista.

En animación, a la capacidad de seguir estableciendo una misma relación entre los elementos de una escena se la conoce como paralaje.

El paralaje de una escena construida en un software 2D puede trabajarse en los tres ejes de coordenadas: altura, anchura y profundidad. En los dos primeros casos la estructura de propia pantalla ofrecerá la posibilidad de trabajar mediante supuestos travelings horizontales y verticales. En el caso de la profundidad lo más sencillo será recurrir a efectos similares al zoom de una cámara.

10.4.1.Paralajes horizontales y verticales

Cuando nos desplazamos con un vehículo a toda velocidad observamos que los elementos que tenemos en primer término pasan ante nosotros a muy rápido, los que se encuentran en planos alejados lo hacen más despacio y los elementos situados al fondo apenas se mueven.

Mantener esta relación en nuestras animaciones es imprescindible para obtener resultados adecuados.

Pero ¿cómo hacerlo? Hasta ahora hemos visto cómo se organizan las capas un archivo Flash.

Si intentamos desplazar estos elementos desde un lado a otro de la pantalla, pronto descubriremos que no podemos moverlos sin que se vean los márgenes finales. Pero si clonamos aquellos que queremos mover y que por sus características han de ocupar todo el escenario –en la imagen anterior sería el caso del suelo y de las montañas–, podremos moverlos fácilmente sin que apenas se note.

Para hacer encajar los extremos de la imagen original con la duplicada bastará con aplicar un volteo horizontal –o vertical según convenga– a una de las dos. Posteriormente a esto, podremos alinearlas una a continuación de la otra sin miedo a que se note para nada la junta de ambas imágenes.

Una vez creados los elementos, deberán desplazarse para dar la sensación de la existencia de paralaje.

En la imagen siguiente puede observarse lo que se mostrará en el escenario en diferentes momentos de una misma escena. Todo aquello que queda fuera del rectángulo rojo permanecerá oculto mientras dure la reproducción. El resultado final será que el espectador tendrá la sensación de estar contemplando un paisaje mientras se está desplazando.

10.4.2.Paralaje en profundidad

Tanto en la realidad como si usamos un software 3D, podemos realizar fácilmente movimientos de cámara sobre el eje Z, el eje de profundidad. Usando software 2D esto es mucho más complicado, y dependiendo del personaje requiere redibujarlo varias veces teniendo en cuenta además la posición que ocupará en cada momento de la animación. Lo que queramos resaltar de dicho personaje será lo que dominará sobre el resto de la animación.

En la imagen siguiente pueden verse unos primeros esbozos de un personaje corriendo hacia la posición de la cámara. Es importante observar que para dar una correcta sensación de movimiento dicho personaje no mantiene la misma distancia recorrida entre cada uno de los fotogramas sino que la distancia entre posiciones se ha calculado de acuerdo con las reglas de una perspectiva cónica frontal, ya que es la manera más parecida a como sería visto.

La perspectiva cónica basa la creación de las formas desde uno, dos o tres puntos de fuga según sea esta frontal, oblicua o aérea.

Por lo que se refiere a todos aquellos elementos que se mueven desde el fondo del escenario hacia el espectador –o desde éste hacia el fondo del escenario, como podría ser en otros casos– generalmente basta con aplicarles interpolaciones de movimiento que conlleven además escalados, los cuales funcionarán a modo de zoom. Usando estos escalados a diferentes proporciones entre los elementos contenidos en distintos planos, se pueden conseguir interesantes efectos de profundidad.

11.Panorámicas y fondos

Los movimientos panorámicos pueden ser horizontales, verticales, diagonales y circulares, todos en ambas direcciones. Estos no se refieren únicamente a la traslación de fondos. Puede haber movimientos cíclicos de traslación panorámica y fondos fijos. Siempre dependerá del efecto de movimiento que se deba restituir. El análisis de la escena nos dará la clave del sistema de animación de cada uno de sus elementos. Su aplicación posterior recompondrá la escena en movimiento.

La finalidad del fondo en la animación es la de establecer un cierto ambiente, es decir, mostrar al público el lugar donde se desarrolla la acción. El estilo gráfico de los personajes debe estar en relación directa con el fondo. Los colores, la composición, la perspectiva, etc., crearán la atmósfera de la escena.

11.1.Fondo estático

Un fondo estático estará inmóvil en cualquier circunstancia durante toda la escena animada. Será el personaje el que se desplazará.

11.2.Fondo panorámico y personaje estático sobre su eje

Se utiliza normalmente el fondo panorámico para dar la sensación de que es el personaje el que se desplaza de un lugar a otro. En realidad, es el fondo el que se desplaza en sentido contrario a la marcha, mientras que el personaje se mantiene en un punto fijo moviendo las piernas (caminando) sin adelantar un paso, resbalando hasta recuperar el punto de partida (cíclico). El personaje estará animado sobre su eje. La velocidad en que se moverá el fondo dependerá totalmente de la rapidez o de la lentitud del caminar. Cada desplazamiento del fondo deberá tener la distancia del desplazamiento de la fase o de la imagen del personaje, o, en el caso de que la animación se realice a dos fotogramas por imagen (animación media), la mitad de la longitud de la distancia entre cada una de las imágenes. Los fondos panorámicos o los efectos especiales se filmarán siempre a un fotograma por imagen.

11.3.Fondo panorámico circular

Para obtener una panorámica de un fondo del infinito, se hace girar el fondo sobre un punto central manteniendo el personaje o cualquier elemento estacionario.

11.4.Reanudación idéntica del fondo

Un fondo panorámico podría ser tan largo como se quisiera, pero por razones prácticas es mejor limitar su longitud. No obstante, si queremos que el personaje ande "durante horas" (dar la sensación de largo tiempo) por delante de un mismo fondo, se puede hacer un fondo con una toma idéntica. Esto significa que el principio del fondo será idéntico al final, de forma que, cuando lleguemos al final de la panorámica, reemplazaremos este final por el principio tantas veces como sea necesario. Se pueden unir también varios fondos, dibujando el final de uno con el principio del siguiente. Entonces, cuando lleguemos al final del primer fondo, lo reemplazaremos por el principio del segundo y así sucesivamente.

Cuando hay que realizar fondos panorámicos, es necesario tener en cuenta la velocidad y la dirección de la panorámica. Se evitarán, según la velocidad de la panorámica, las líneas verticales. Es difícil evitar que un árbol vertical, desplazándose en una panorámica, cree un efecto visual de filage. Para obtener una animación de sensación regular, es necesario deformar el árbol en la dirección opuesta a la de la panorámica.

11.5.Fondo a gran velocidad

Un fondo normal que se desplaza a una distancia de más de 2 cm por imagen se convierte en un fondo a gran velocidad. En posición estática, los objetos verticales estarán dibujados rectos. Cuando haya una aceleración, se deformarán, alargándolos en la dirección opuesta a la de la panorámica, difuminando también su contorno. En una panorámica que se desplaza a más de 5 cm por imagen, los detalles entre las posiciones de parada y la de movimiento quedarán reducidos a líneas horizontales y líneas de fuga, de modo que los contornos desaparecerán.

11.6.Aceleración y ralentización de los fondos

Un movimiento a toda velocidad después de una parada brusca, o viceversa, es siempre ofensivo. Todo movimiento correcto y agradable, sea cual sea su velocidad, empieza y acaba gradualmente. Tanto la aceleración como la ralentización pueden ser tan breves o tan dilatadas en el tiempo como queramos, pero tendremos que calcularlas y aplicarlas siempre en cada movimiento de desplazamiento.

Si la velocidad constante es de 5 unidades de distancia, podemos acelerar en 4 tiempos. La primera imagen de la aceleración la situaremos en la unidad de distancia 1; la segunda imagen, en la unidad de distancia 3 (1 + 2); la tercera, en la unidad de distancia 6 (1 + 2 + 3); la cuarta, en la unidad 10 (1 + 2 + 3 + 4); y finalmente la quinta en la unidad de distancia 15 (1 + 2 + 3 + 4 + 5). A partir de aquí, la velocidad será constante (una imagen cada cinco unidades).

Para una velocidad constante de 3 unidades, la aceleración media puede ser de ½, 1, 1½, 2, 2½ y 3 unidades.

Otro ejemplo: para una velocidad constante de 10 unidades, la aceleración podría ser de 2, 4, 6, 8 y 10.

Para una velocidad constante de 15 unidades, la aceleración podría ser de 2½, 5, 7½, 10, 12½, y 15.

Es evidente que cuanto más lenta sea la aceleración mayor será el número de imágenes que tendremos que realizar (a igual recorrido, más imágenes, menos distancia, más fotogramas, más tiempo, más lentitud).

Podemos obtener una continuidad de movimiento empezando la ralentización en el momento en el que haya terminado la aceleración.

Es conveniente realizar un gráfico de aceleración y de ralentización para calcular el ritmo correcto según la distancia a recorrer. Para hacerlo dividiremos la circunferencia en un semicírculo. La longitud del diámetro del semicírculo será igual a la longitud del desplazamiento que tengamos que calcular. Dividiremos, a su vez, el semicírculo por el número de imágenes del movimiento y cada uno de los puntos de esta división será proyectado sobre el diámetro.

Para dividir la circunferencia de un semicírculo en partes iguales, podemos utilizar una simple fórmula:

Longitud del diámetro (distancia del desplazamiento) × π = 3,14 y ÷ el doble del número de imágenes deseadas.

11.7.Efecto estroboscópico

En una animación, cuanto más se solapen las imágenes las unas a las otras, más suave y regular será el movimiento.

Si las imágenes no tienen ningún punto de contacto entre ellas y están muy separadas, se tendrá la sensación de que las panorámicas o el objeto que esté en movimiento tiemblan, dado que la persistencia retiniana no podrá llenar el vacío entre imagen e imagen. A este efecto se le llama efecto estroboscópico.

Para que esto no suceda, es necesario que los movimientos que puedan producir este efecto (panorámicas, travelings, etc.) estén filmados a un fotograma por imagen. Los contrastes, la estructura y la forma del sujeto animado desempeñan aquí un papel muy importante. Cuanto más pronunciados son los contrastes entre imágenes, más riesgo hay de que el efecto estroboscópico aparezca.

12.Las leyes fundamentales de la animación 3D

Las leyes fundamentales de la animación 3D se basan en los doce principios de la animación ya descritos por un grupo de expertos que trabajaban en los estudios Disney. Estos doce principios se han adaptado hoy en día a las nuevas tecnologías y se les han añadido cuatro más para completar aspectos que hasta hoy o bien no formaban parte del propio acto de realizar la animación, o bien, como es el caso de la animación facial, en muchas ocasiones no se realizaban, dejando como núcleo de expresión la posición y gestualidad del cuerpo, mucho más fácil de animar que la expresión facial.

La incorporación de múltiples expresiones faciales ha significado un cambio muy profundo en la forma de entender la animación. Lo que antes debía hacerse exagerando en exceso la gestualidad del cuerpo ahora puede hacerse sin recurrir a ese exceso de exageración y por el contrario, prestando más atención a la gestualidad facial.

12.1.Los nuevos principios incorporados en la animación 3D

Los principios que se han añadido a los establecidos por el grupo de animadores que trabajaban en los estudios Disney son los siguientes:

Modelado y esqueleto sólidos
Combinación de movimientos. Estilo visual
Cinematografía
Animación facial

12.1.1.Modelado y esqueleto sólidos

En la época dorada de la animación tradicional se decía que un buen boceto era la base de cualquier buen personaje. En la actualidad sigue siendo así y la mayoría de los buenos personajes 3D nacen a partir de unas líneas de lápiz trazadas sobre un papel. Sin embargo, no termina ahí su proceso de creación. Para que un personaje funcione son necesarios un modelado y un sistema de esqueleto sólidos, y coherentes con aquello que vamos a representar.

El esqueleto, el ajuste de éste a la malla o la calidad de la propia malla serán las claves para evitar posibles complicaciones durante el proceso de animación.

En la animación 3D es básico familiarizarse con los esqueletos y aprender a realizarlos y optimizarlos para poder animar las características y los movimientos específicos de cada personaje.

12.1.2.Combinación de movimientos. Estilo visual

En 3D hablar de estilo visual es hablar de mucho más que de la simple apariencia de las cosas. El estilo visual tiene en este entorno un gran impacto sobre la iluminación, el uso de múltiples cámaras y puntos de vista, el motor de render de todo ello y en definitiva, en la complejidad final de la producción de la animación. Es necesario saber hasta dónde podemos llegar, y tener presente que algunos detalles de modelado o algunas aplicaciones de texturas o luces pueden complicar mucho la obtención del resultado final.

En una animación es necesario descifrar primero qué es lo imprescindible, después, qué es lo importante y por último, qué podemos añadir que, sin ser imprescindible ni importante, ayude a mejorar visualmente la animación sin que ello signifique una carga excesiva.

12.1.3.Cinematografía

La creación de escenarios y personajes 3D junto al hecho de poder controlar luces y cámaras catapulta la animación hasta situarla en paralelo a cualquier producción cinematográfica que esté hecha en entornos y con personajes reales. Los dibujos animados dejan de desarrollarse en planos paralelos y pasan a denominarse cine de animación. El cambio de nombre no es en vano, ya que beben mucho más de los conceptos cinematográficos, de su estructura narrativa y de su sistema de planos y contraplanos.

Con la cinematografía han aparecido algunos problemas que hasta ahora no preocupaban en exceso al animador, uno de ellos es el uso de las luces. En animación tradicional la luz está siempre controlada por el color que da el animador a su dibujo. En animación 3D la luz tiene un comportamiento físico similar al que tiene un foco de cualquier estudio cinematográfico.

12.1.4.Animación facial

La mayoría de los pensamientos y emociones de un personaje se reflejan en su cara, y en ese aspecto la animación 3D nos ofrece más control que nunca sobre la animación facial.

Antes de empezar a animar cualquier personaje, es imprescindible determinar el nivel de control facial y el estilo de animación adecuados en cada caso. Antes de realizar la animación definitiva de cualquier personaje, es necesario probar cómo se comporta con diferentes grados de animaciones faciales, prestando especial importancia a los movimientos de los labios, los ojos y las cejas.

Principios y métodos de la animación

Llogari Casas

Neus Górriz